Desobediencias y resistencias, uno de los seleccionados del Concurso de Proyectos Culturales Gran Canaria Espacio Digital – Cabildo de Gran Canaria 2020, está compuesto principalmente por una exposición de la que se extiende toda una serie de actividades y acciones que la complementan, como es el caso de visitas guiadas, conferencias y un taller. El proyecto se desarrollará del 29 de enero hasta el 29 de marzo.

«Desobediencias y resistencias» muestra acciones individuales, materializadas en videoperformances y ejecutadas como denuncia pública pero dentro de un pseudocivismo crítico cotidiano, es decir, acciones habituales o comunes dentro de nuestro día a día pero que han sido ligeramente modificadas, ofreciendo una nueva interpretación con una carga más agresiva y de confrontación directa con el espectador. Todas las piezas que conforman este proyecto expositivo presentan primeros planos donde el/la artista cuestiona el rol de sumisión y obediencia, presentando obras abiertas al debate individual y colectivo. 

 

La exposición está compuesta por obras de Marina Abramovic, Teresa Correa, Regina José Galindo, Shirin Neshat, Itziar Okariz, Jürgen Klauke, Matt Mullican y Sigalit Landau. Asimismo, se cuenta con la colaboración en préstamo de obra de la Colección CA2M de Madrid, Colección Fundación Otazu y Colección TEA Tenerife Espacio de las Artes. 

 

«Desobediencias y resistencias» tiene como objetivo principal entablar diálogos comunitarios sobre desobediencia civil y violencia, así como trabajar otros temas paralelos como los conceptos de resistencia, feminismo, cotidianidad, cambio social y luchas de poder. A ello se suman otros fines como promover la videoperformance, dar visibilidad a minorías y avivar la participación ciudadana.

 

 

Obras:

Marina Abramovic.

Cleaning the Mirror II (1995). 

Videoperformance.

14’ 35’’

Colección Fundación Otazu (España). 

 

Sinopsis: Abramovic, completamente desnuda, interactúa con un esqueleto mediante ejercicios de respiración y suaves movimientos. Al estar situados ambos en posición supina, uno encima del otro, y gracias al temblor de las inhalaciones y exhalaciones de la propia artista, los huesos adquieren vida. Abramovic nos introduce en una metáfora visual y nos encara a ese espejo al que todos en algún momento nos enfrentaremos: la temporalidad y la muerte.

 

 

Teresa Correa.

Desmesurada-mente/Unconscionable-mind (2015). 

Videoperformance.

2’ 30’’

 

Sinopsis: En Teresa Correa también está presente la muerte. Este vídeo parte de una fotografía que se puede ver en el Museo Canario (Museo de Antropología) de Las Palmas (España), en la que se ve en el mismo lugar y con casi todos los mismos elementos al Doctor Verneau, famoso médico y antropólogo francés (1852-1938) que durante años se dedicó al estudio en Canarias de los restos esqueléticos de la población aborigen. Entre otras teorías, hoy casi todas refutadas, indicaba que el cerebro de la mujer y el del africano son más pequeños y, por tanto, son menos inteligentes que el hombre blanco. Con Desmesurada-mente (2015) la artista expulsa a Verneau y se pone en su lugar, eliminando esas ideas machistas y racistas

 

Shirin Neshat.

Anchorage (1996).

Videoperformance.

4’

Colección TEA Tenerife Espacio de las Artes (España).

 

Sinopsis: Como suele ser habitual en su producción artística, Neshat aborda la complejidad de los códigos sociales, culturales y religiosos de las comunidades musulmanas y la dimensión sociopolítica y psicológica de la mujer musulmana. A través del uso del contraste (blanco/negro, luz/oscuridad, amabilidad/agresividad) la artista rompe con ciertas representaciones estereotipadas del Islam, generando debate en torno a ellas pero sin caer en la polémica. Neshat aparece en el vídeo improvisando canciones propias del folclore iraní mostrando únicamente sus pies, manos y rostro hasta que de repente empuña un revolver y dispara al espectador.

 

 

Itziar Okariz.

Mear en espacios públicos y privados (2000-2006).

Vídeoperformance. 

9’ 40’’

Colección CA2M (España). 

 

Sinopsis: Al igual que ocurría con Shirin Neshat y con Teresa Correa, Itziar Okariz cuestiona los convencionalismos sociales y los estereotipos clasificados por género. La artista elige una serie de localizaciones con antelación para realizar la acción que consiste, como adelanta el título, en orinar en espacios públicos y privados. Uno de los aspectos más relevantes es el hecho de mear de pie, asociado al hombre, destruyendo así la concepción de cuerpo como dispositivo ideológico impuesto que determina la identidad del individuo, así como evaluar la construcción social de lo masculino, la relación entre público-privado o el concepto de intimidad. Desarrolla esta performance totalmente ilegal y ligeramente subversiva que repite una y otra vez en diferentes espacios como estrategia para fijar el mensaje y normalizar el comportamiento.

 

 

Jürgen Klauke.

Made in Germany-Hinsetzen/Aufsteh´n/Ich liebe Dich (1978). 

Videoperformance.

22’

Colección Fundación Otazu (España). 

 

Sinopsis: Made in Germany-Hinsetzen/Aufsteh´n/Ich liebe Dich (1978) presenta un escenario a oscuras donde se observa a Klauke sentado en una silla y con un micrófono delante de él. Suena una voz femenina y amable que dice “Ich liebe dich” (“te amo”) que se alterna con una voz masculina que exclama “Hinsetzen” y “Aufstehen” (“siéntate” y “levántate”). Klauke responde a ambas interacciones: a la mujer repitiendo su frase y al hombre ejecutando las órdenes. Ese matiz cómico inicial va mutando en una situación sumamente agresiva en el momento en el que la voz masculina intensifica y acelera dichas órdenes mientras el mensaje de la voz femenina se ralentiza. El artista, cuyo nerviosismo y desespero va aumentando poco a poco, acaba por romper la silla y tirar el micrófono como respuesta a ese mandato. Esa percepción de diálogo que rezuma la acción en un inicio se acaba transformando en una farsa, se convierte en un ambiente donde se respira una atmósfera cargada de violencia y sumisión; sensaciones que se agudizan al contextualizar la performance en la Alemania de 1978.

 

 

Matt Mullican.

Untitled (Matt Mullican Under Hypnosis: Zurich) (2004).

Videoperformance.

69’ 47’’

Colección Fundación Otazu (España). 

 

Sinopsis: No se puede comprender la obra de Matt Mullican sin ser conocedor de que realiza la mayor parte de sus performances bajo un estado de hipnosis, acción que lleva desarrollando desde la década de los setenta. Bajo estas sesiones de hipnosis, el artista se sumerge en un estado a caballo entre el sueño y la vigilia, entre la realidad y la ficción, y lleva a cabo toda una serie de piezas firmadas por That Person, un alter ego que le permite entrar en la imagen a través de un comportamiento principalmente agresivo. Mullican destruye los procesos creativos convencionales e incorpora nuevas visiones, rompe el paradigma de lo cotidiano y lo socialmente denominado como correcto y entrona los procesos emocionales del individuo donde el cuerpo es totalmente libre.

 

 

Regina José Galindo.

 

Let’s rodeo (2008).

Videoperformance.

55’ 20’’

 

Sinopsis: Durante una residencia artística en Texas (EEUU), Regina José Galindo se sube a un toro mecánico, típico en las atracciones de feria, durante una hora y media con el objetivo de intentar domarlo. Desde el principio todos comprendemos la imposibilidad de tal acción pero aún así lo intenta. Al final acaba exhausta, dolorida y frustada.

 

 

Sigalit Landau.

Barbed Hula (2001).

Videoperformance.

2’.

Colección CA2M (España).

 

Sinopsis: Grabado en la costa del sur Tel Aviv, Landau interviene un espacio tranquilo y familiar a través de una acción sumamente violenta donde hace girar con su cuerpo desnudo un hula hoop de alambre de espino. El choque visual que supone observar las apacibles olas del mar con el cuerpo ensangrentado provoca una fuerte reacción en el espectador, permitiendo que afloren sentimientos de angustia y dolor. La artista nos remite a las fronteras, las visibles y las invisibles, las externas y las internas, y cómo agreden y asfixian al sujeto, a nosotros mismos como ciudadanos.

 

 

Biografías:

Marina Abramovi? (Belgrado, Yugoslavia, 1946). Desde el comienzo de su carrera a principios de la década de 1970, cuando asistió a la Academia de Bellas Artes de Belgrado, Abramovi? ha sido pionera en el uso de la performance como forma de arte visual. El cuerpo ha sido a la vez su sujeto y su medio. Explorando los límites físicos y mentales de su ser, ha resistido el dolor, el agotamiento y el peligro en la búsqueda de la transformación emocional y espiritual. Su trabajo con performances, sonido, fotografía, vídeo y escultura ha sido incluido en muchas exposiciones internacionales a gran escala, incluyendo la Bienal de Venecia (1976 y 1997) y Documenta VI, VII y IX, Kassel, Alemania (1977, 1982 y 1992). Asimismo, cuenta con exposiciones individuales en espacios tan relevantes como MoMA, Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art de Japón, CAAC de Málaga, Guggemheim Museum, Serpentine Gallery, MONA de Australia, Pompidou de París… Habría que destacar que recibió el León de Oro al Mejor Artista en la Bienal de Venecia de 1997.

 

Teresa Correa (Gran Canaria, España, 1961). Formada profesionalmente en Fotografía el Centro de Estudios de la Imagen de Madrid y en Sociología por la Universidad Complutense de Madrid. Su trabajo se ha exhibido en ciudades como Madrid, Seúl, Ciudad de México, Bamako, La Paz, Miami o La Habana, entre otras. También ha participado en diversas exposiciones dentro y fuera de España e imparte de forma habitual talleres sobre los procesos creativos en fotografía. De entre todas sus individuales cabe destacar las acontecidas en el Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira (2017), en CAAM – Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas (2017), en TEA Tenerife Espacio de las Artes (2015) y en el Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lam de La Habana (2014), así como su participación en la IX Bienal Internacional de Arte, SIART, Bolivia (2016).

 

Regina José Galindo (Guatemala, 1974) es una poeta y artista que adopta la performance como vía de expresión. Recibió el León de Oro a la Mejor Artista Joven en la 51ª Bienal de Venecia (2005) y el Premio Príncipe Claus de los Países Bajos (2011). Ha participado en la 49, 53 y 54 Bienales de Venecia, Documenta 14 en Atenas y Kassel, en la 9ª Bienal Internacional de Cuenca (Ecuador) o la 17ª Bienal de Sidney, entre otras. Además, cuenta con exposiciones en Fondazione Focara di Novoli (Italia), Molaa Museum of Latin American Art (EEUU), CAAM (España), MUAC (México), MNAC (Rumanía), Museum voor Moderne Kunst Arnhem (Países Bajos), ArtPace San Antonio (EEUU), Nevada Museum of Art (EEUU), Centro Cultural Kirchner (Argentina), MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo (Italia), Palais de Tokyo (Francia), Museum of Contemporary Art Chicago (EEUU), MUSAC (España), MUNTREF Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Argentina), CA2M (España) o Tate Modern (Reino Unido), entre otras.

 

Shirin Neshat (Quzvin, Irán, 1957), vive y trabaja en EE.UU. desde 1974. Ha realizado exposiciones individuales en centros de arte y museos como el Museo de Arte Moderno de México DF, el Contemporary Arts Museum de Houston, el Walker Art Center de Minneapolis, el Espoo Museum of Modern Art (Finlandia), el Castello di Rivoli en Turín, el Dallas Museum of Art, el Wexner Center de Columbia, el Art Institute of Chicago, la Serpentine Gallery de Londres, el MUSAC de León o el Hamburger Bahnhof de Berlín. Neshat también ha participado en la Documenta XI (2002), la Bienal de Whitney (2000) y en 1999 ganó la XLVIII Bienal de Venecia. En el 2009 fue galardonada con el León de Plata de la Mostra de Venecia por su película Women without Men (Mujeres sin hombres). También ha recibido reconocimientos como el Hiroshima Freedom Prize y el Lillian Gish Prize. En 2008, su exposición individual Mujeres sin hombres inauguró el ARoS Kunstmuseum en Dinamarca, viajó a la Galería Nacional de Arte Contemporáneo en Atenas y abrió el Kulturhuset Stockholm en otoño de ese mismo año.

 

Itziar Okariz (San Sebastián, España, 1965). Su trabajo gira en torno al lenguaje y al cuerpo como signo, cuestionando los límites de lo normativo. Su trabajo se ha expuesto en Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, en el Centre d’Art La Panera, en el CA2M de Madrid, Nendeln de Liechtenstein, en el MUSAC de León, en AVL Mundo de Rotterdam, en Tabakalera-Centro Internacional de Cultura Contemporánea, en MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona, en Kunsthaus Baselland de Suiza, en Temporary Gallery Cologne de Alemania, en Singel International Kunstcentrum de Amberes, en La Casa Encendida de Madrid, en Bòlit Centre d’Art Contemporani de Girona… En 2019 expone en el pabellón español de la Bienal de Venecia, junto a Sergio Prego.

 

Jürgen Klauke (Kidling, Alemania, 1943). Es un pionero de la exploración artística multimedia e interdisciplinaria, cuya obra fascina e irrita por igual, oscilando entre los polos de atracción y repulsión. De entre sus últimas exposiciones individuales es necesario subrayar los espacios NRW Akademie der Wissenschaften und der Künste (Düsseldorf, Alemania), Fundación Helga De Alvear (Cáceres, España), Koenig & Clinton (New York, USA), La Chambré (Strassburg, Francia), Museum der Moderne (Salzburg, Austria), Zentrum für Kunst und Medientechnologie (Karlsruhe, Alemania), Museum der Moderne Mönchsberg (Salzburg, Austria), Centro per l'Arte Contemporanea (Roma, Italia) o Goethe-Institute Singapur; así como participación en muestras colectivas en Museum of Contemporary Art (Toronto, Canadá), Centre de la photographie (Genève, Suiza), MASP (São Paulo, Brasil), Museum of Contemporary Art (Krakow, Polonia), CAAC – Centro Andaluz de Arte Contemporaneo (Sevilla, España) o Centre National des Arts Plastiques (París, Francia), entre otros.

 

Matt Mullican (Santa Monica, Estados Unidos, 1951) estudió en el California Institute of the Arts, en Valencia (Estados Unidos), y cuenta con un amplio registro que abarca desde las técnicas más artesanales hasta las tecnologías más sofisticadas. Su obra, de peculiar complejidad, investiga los sistemas de conocimiento, los símbolos, los signos y el lenguaje, y refleja la fascinación que siente el artista por la relación entre la percepción y la representación. Cuenta con exposiciones individuales en NC-Arte (Bogotá, Colombia), Young Museum (San Francisco, California), Camden Arts Centre (Londres, Reino Unido), Museo Tamayo (Ciudad de México), Kröller Müller Museum (Otterlo, Países Bajos), Tate Modern (Londres, Reino Unido), Lentos Kunstmuseum Linz (Austria), Museu de Arte Contemporãnea de Serralves (Portugal), The Museum of Modern Art Oxford (Reino Unido) o Fundació Antoni Tàpies (Barcelona, España), así como colectivas en National Gallery of Art (Washington DC, EEUU), The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EEUU), MoMA (EEUU), Palazzo Fortuny (Venecia, Italia), IVAM (Valencia, España)…

 

Sigalit Landau (Jerusalén, Israel, 1969). Graduada en la Academia de artes y diseño Bezalel en 1994. Desde 1995 ha participado en numerosas exposiciones nacionales e internacionales y en 2011 representó a Israel en la Bienal de Venecia. En su haber cuenta con exposiciones en MACBA (Barcelona, España), Musée d'Art et d'Histoire du Judaïsme (París, Francia), Wiener Festwochen (Viena, Austria), Koffler Centre of Fine Arts (Toronto, Canadá), Maison Hermes in Ginza (Tokio., Japón), Mucsarnok Kunsthalle Budapest (Hungría), The Negev Museum of Art (Beersheba, Israel), SCAD Museum of Art (Savannah, EEUU), MoMA- The museum of Modern Art (Nueva York, EEUU), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España) o Tel Aviv Museum of Art (Israel), entre otros.

 

Adonay Bermúdez (Lanzarote, España, 1985). Curador independiente. Ha comisariado exposiciones para Instituto Cervantes de Roma (Italia), Bòlit Centre d’Art Contemporani (España), X Biennale di Soncino (Italia), DA2 (España), Artpace San Antonio (Texas, EEUU), MUDAS – Museo de Arte Contemporânea da Madeira (Portugal), Museo de Arte Moderno Chiloé (Chile), TEA Tenerife Espacio de las Artes (España), Centro de Arte Contemporáneo de Quito (Ecuador), Centre del Carme (España) o ExTeresa Arte Actual (México), entre otros. Fue director del Festival Internacional de Videoarte “Entre islas” (2014-2017), director de Espacio Dörffi (2017-2018), comisario invitado de PlanoLisboa 2016 (Portugal), Scientific Committee de Over The Real International Videoart Festival (Italia, 2016, 2017 y 2018) y comisario en 2018 de Contemporary Art Month de San Antonio (Texas, EE.UU.). Ha impartido conferencias o talleres en MACRO Museo d'Arte Contemporanea di Roma (Italia), Universidad Complutense de Madrid (España), E.N.P.E.G. La Esmeralda (México) o Universidade da Madeira (Portugal), ha publicado tres libros y actualmente es corresponsal de ABC Cultural.

 

Ficha técnica:

Artistas: Marina Abramovic, Teresa Correa, Itziar Okariz, Regina José Galindo, Matt Mullican, Shirin Neshat, Jüegen Klauke y Sigalit Landau.

 

Comisario: Adonay Bermúdez.

 

Produce y co-organiza: Gran Canaria Espacio Digital – Cabildo de Gran Canaria.

 

Colabora: Centro Párraga (Murcia), Bòlit Centre d’Art Contemporani (Girona) y Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque (Madrid).

 

Fechas exposición: del 29 de enero al 29 de marzo de 2021. Posteriormente itinerará a Centro Párraga (abril 2021), Bòlit Centre d’Art Contemporani (junio 2021) y Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque (septiembre 2021).

Con préstamos de obra de CA2M (España), Colección Fundación Otazu (España) y TEA Tenerife Espacio de las Artes (España).

 

Publicación con textos de Adonay Bermúdez, Martí Manen, Yolanda Peralta Sierra, Blanca de la Torre, Bárbara Perea, Gemma Medina, David Armengol, Cuauhtémoc Medina y Estrella de Diego y prólogo de Carlos Delgado Mayordomo.