La obra de Francisco Darens denota mucha paciencia; en lo conceptual y en lo técnico. Su trabajo, de eminente corte realista, destaca por sus fotográficos trazos y sus profundas composiciones.

Pulsa aquí para ver esta entrevista en su edición fanzine junto a muchísimo más contenido.

Buenos días, Francisco, y gracias por aceptar la entrevista. ¿Quién es Francisco Darens?

¡Buenos días! ¿Qué quién soy? Pues yo diría que soy un pintor artístico que intenta tener su sitio en un oficio complicado como es este del arte.

En el preámbulo de esta entrevista, me comentabas que desde muy pequeño sentiste inquietudes artísticas. ¿Cuál es tu primer recuerdo en este sentido?

Efectivamente, mis primeros recuerdos artísticos son con once o doce años y en ellos estoy dibujando y coloreando con lápices de colores y rotuladores, diferentes tipos de dibujos e imágenes que tenía a mano y otros que inventaba. 

¿Conservas algunas de esas obras?

Creo que es importante cuando hablamos de experiencias vitales y el dibujo para mí lo es, conservar aquello que te recuerda como empezaste puesto que son tus primeros pasos en el arte, siempre te van a recordar alguna sensación por pequeña que sea además que son fiel testigo de tu evolución artística. Así que si, guardo gran parte de los dibujos que me ayudaron a evolucionar.

Tu formación la comienzas en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Las Palmas. ¿Qué te aportó dicha formación en lo personal y en lo formal, artísticamente hablando?

Cuando entré a estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Las Palmas, lo hice con muchas ganas y mucha ilusión por aprender las técnicas de dibujo y pintura que tanto deseaba y tenía grandes expectativas. Hay que tener en cuenta que era mi primer contacto de una manera mucho más académica con el mundo artístico y todo lo que conlleva. Disfruté del tiempo que estuve en la escuela y de hecho guardo muy buen recuerdo de esa época de estudio. La base artística que tengo y con la cual he conseguido en parte desarrollar mis capacidades artísticas a día de hoy, es gracias a este comienzo.

La Escuela Luján Pérez: ¿qué añadió al anterior periplo formativo?

En la Escuela de Luján Pérez estuve solo un año y puedo decir que también guardo un buen recuerdo de mí paso por allí. Luján Pérez era una escuela donde ibas a practicar dibujo y pintura según tus necesidades y me aportó un ambiente artístico de libre interpretación y conocer gente de la que aprender. 

Tu variado trabajo demuestra tu confianza con diversas técnicas: óleo, tintas chinas, acrílicos…. ¿Con cuál te sientes más cómodo?

Creo que el artista debe intentar en la medida de lo posible conocer cada una de las técnicas que pueda tener a su alcance e intentar también sentirse cómodo con cada una de ellas al margen que tenga su zona de confort. En mi caso me siento cómodo o a gusto con todas las que he usado porque aprendo, me desafían a romper mis limitaciones y crezco como artista. Si es cierto que en la actualidad trabajo más con óleo y grafito que con cualquier otra técnica, son las dos que más uso pero como te digo, estoy saltando de una técnica a otra siempre dentro de mis posibilidades.

¿Y qué te aporta cada una de esas técnicas? ¿Cómo difieres entre ellas cuando planteas una nueva obra?

Cada técnica me aporta el aprendizaje en el conocimiento de su manejo intentando desvelar sus secretos y el disfrute en su aplicación. A la hora de plantear una obra y qué técnica usar para realizarla, pues normalmente la imagen me sugiere la técnica, es decir, hay imágenes que cuando las veo tengo claro que cobrarían más fuerza en blanco y negro y otras las acepto en color y en el caso de la técnica a elegir tengo en cuenta la posibilidad de la imagen a la hora de realizarla en una u otra técnica, esto también cuenta y mucho.

Hablemos de inspiración. ¿Qué es la inspiración?

Es como una fiebre de creatividad, es una necesidad imperiosa de expresarme con la pintura.

Conocía tu obra antes de que estableciéramos contacto, por un óleo de la Plaza del Pilar Nuevo que descubrí en redes sociales y me fascinó. ¿Qué hace que un artista se decante por el realismo y no por otros caminos como la abstracción?

Me alegra que te haya gustado tanto el cuadro de La Plaza del Pilar Nuevo. Es un óleo que disfruté mucho pintando ya que Vegueta es una zona que me ha gustado mucho desde que era niño y la situación de la Plaza pues es indiscutiblemente una confluencia o cruce de caminos de varios sitios históricos  de la ciudad además de tener una arquitectura que en mi opinión es muy pictórica.

¿Qué hizo que me decantase por el realismo y no por otras corrientes modernas como la abstracción?

Pues esto es algo que tuve muy claro desde el principio, mi camino en el arte sería el realismo. Bueno, yo creo que mi interés por el realismo comenzó cuando veía a los retratistas callejeros trabajando, aunque como he dicho antes cuando era pequeño siempre hacía dibujos que tendían hacía el realismo, claro está con la visión de un niño. Más adelante cuando estaba estudiando empiezas a ver en los libros de historia pinturas clásicas y ves que te gustan mucho y de esa forma empiezas queriendo hacer algo parecido.

¿Un pintor realista tiene que tener grandes dosis de paciencia?

El pintor realista primero tiene que tener materiales, después ganas y por último saber el tiempo que le quiere dedicar a la obra para obtener el resultado que desea. Cada cual dosifica su tiempo según su idea.

Si tuviéramos que hablar de porcentajes, ¿qué valor le darías al estudio previo, el desarrollo inicial y la realización final de una obra?

Indudablemente cada paso que se da en la realización de una obra tiene su valor. En el estudio previo ves las mejores posibilidades para componer la obra y un bosquejo del resultado final. Pero realmente diría que no se puede hablar en sí de valores por etapas ya que todo forma parte de un conjunto y el resultado final es el testigo de ese conjunto.

Si me viera obligado a dar porcentajes serían: 10 por ciento el boceto, 10 por ciento para la mancha y 80 por ciento para el resto.

¿Y cuándo das por concluida una obra?

Aunque sé que suena a tópico, es difícil dar una obra por concluida propiamente dicho. Decía Botero que él dejaba obras apartadas durante meses incluso años hasta que creía que podía darlas por terminada. Creo que esta frase se podría extender a muchos artistas tanto actuales como clásicos. En mi caso no las doy por terminadas como tal, es decir, llega un  punto en que miro la obra y me convence. Hay que tener en cuenta que el ojo del artista siempre va a ver posibles mejoras en su trabajo y la evolución que coges a lo largo del tiempo con la práctica hará que veas obras hechas tiempo atrás con nuevas posibilidades.

Hablemos de referentes. ¿Qué escuela o pintor marca tu carrera?

No puedo hablar solo de una Escuela ni de un solo pintor que haya marcado o influenciado mi carrera. Primeramente tengo que nombrar a dos pintores Canarios que para mí son estandartes  y que su obra siempre me ha inspirado y me inspiran, Néstor Martín Fernández de la Torre y Nicolás Alfaro. Fuera ya de mi tierra me gustan la Escuela Española en la que contamos con Velásquez, Ribera, Murillo, Zurbarán y un largo etc. de pintores españoles. La Escuela Italiana con las grandes figuras del Renacimiento como Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Botticelli, Caravaggio, etc, ...la escuela italiana da para mucho. La Escuela Holandesa con Rubens, Rembrandt, Van Dick, Vermeer, etc. 

Éstas podría decir que principalmente son las escuelas y pintores que han influido de manera más notoria en mi aprendizaje artístico. No quisiera dejar de nombrar  la Escuela Prerrafaelista que si bien supe de ella más tarde, no deja de maravillarme.

Si tuvieras que definir tu propio trabajo en una cita ajena, ¿con cuál lo harías?

No podría. Las citas, ajenas o no, difícilmente pueden definir todo un estilo o técnica.

¿Y si lo defines con tus propias palabras?.

La pintura para mí es una filosofía de vida, una forma de expresión. Como ya dije en una ocasión, veo el mundo en líneas y lo disfruto en colores 

¿Para cuándo una exposición individual?

Eso es algo que ahora mismo no sabría contestar. Casi prefiero las colectivas. Las individuales exigen un sacrificio difícilmente aceptable debido a las faltas de garantías y ganancias, bajo mi punto de vista, claro.

Vayamos con el test rápido. ¿Cómo rompes el blanco del lienzo?

Cuando ya tengo decidido con qué romperlo, lo hago o con carboncillo, grafito  o directamente con óleo.

¿Bocetos o directo al tajo?

Depende. En algunos casos bocetos y en otros directamente. Lo normal y más aconsejable es hacer boceto pero cuando la inspiración te toca fuerte y tienes un lienzo delante, no hay boceto que valga.

¿Óleo o acrílico? Y por qué.

Principalmente óleo. Porque me gusta su plasticidad y los resultados que ofrece además de ser la principal técnica utilizada por lo maestros de la pintura.

Banda sonora para trabajar

Pues justamente soy muy aficionado a las bandas sonoras instrumentales y las he escuchado a lo largo de mis sesiones de trabajo delante de la obra pero también estas cuestiones van por temporadas al menos en mi caso y ahora me decanto más por escuchar programas de radio tanto de variedades como especializados. Y como te decía en cuanto a programas de radio pues escucho algunos de diferente temática pero con los que siempre aprendo algo nuevo, pintar y aprender tiempo doblemente ganado.. También tengo que decir que pintar en silencio es muy agradable.

¿Y para celebrar el final de un trabajo?

Empezar el siguiente.

Un instante a pintar....

Buff !!...me resulta complicado responder a eso, hay tantos. 

Alguien a quien pintar

Alguien en particular no, muchas personas captan mi atención y me inspiran para pintarlas.

Un sitio donde sueñes exponer…

Museo del Prado o cualquier otro gran museo del mundo. Sé que suena a tópico pero es que es verdad y creo que a cualquier artista le gustaría exponer en un gran museo.

Un maestro que te haya dejado huella y por qué...

Caravaggio. La maestría en el manejo de la luz, la sombra y los colores en su pintura barroca.

¿Se puede vivir del arte en Canarias?

Creo que es muy complicado. Conozco a artistas que tiene sus academias de arte y viven de ello pero directamente de su obra creo que no.

Una inspiración

Principalmente la naturaleza.

Un referente internacional

Da Vinci

Uno nacional

Velázquez

Y otro regional

Néstor de la Torre

¿Qué tienes entre manos ahora?

Pues ahora estoy trabajando en varias obras entre ellas algunos retratos.

¿Algo más que añadir?

Lo que siempre digo cuando me hacen esta pregunta y es que no dejen de ver arte y de apoyar a los artistas .

Pues muchísimas gracias, nuevamente, y mucha suerte en la andadura.

Muchas gracias a ti por darme la oportunidad de tener esta entrevista y para quien le apetezca seguir mi trabajo aparte de mi página web, puede hacerlo en Facebook en Darens Arte.

Pulsa aquí para ver esta entrevista en su edición fanzine junto a muchísimo más contenido.